edad moderna - barroco


Arte Barroco




El arte barroco en sus más amplias manifestaciones artísticas es un fenómeno complejo de índole social, político y religioso.
El barroco es la continuación al manierismo italiano que prevalece durante la primera mitad del siglo XVI. Si el manierismo comienza a usar los cánones clásicos con artificiosidad, el barroco que le sucede abandona la serenidad clásica para expresar un mundo en movimiento y agitación de los sentidos. Por tanto, la tendencia del barroco es a la exageración y la ostentación. El arte barroco se desarrolla entre los siglos XVII y XVIII






Renacimiento______________ Barroco
Visión plástica y contornos____frente a____visión pictórica y apariencia.
Composición en planos____frente a____composición con profundidad

Formas cerradas____frente a____formas abiertas.
Unidad compositiva____frente a____subordinación al motivo.
Claridad absoluta del objeto____frente a____claridad relativa.

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Origen del Arte Barroco

Causas Político - religiosas
Se suele decir que el Arte Barroco es el arte de la Contrarreforma. Para reaccionar contra la severidad e iconoclastia del Protestantismo, la Iglesia Católica alentó la edificación de templos con profusión de escultura.


Causas sociales y psicológicas
El siglo XVII fue una época de guerra y violencia como en pocas fases de la historia europea. La vida se veía frecuentemente atormentada en dolor y muerte. Por eso también era más necesaria que nunca la exaltación de la vida agitada e intensa para el hombre barroco.




Caracteristicas

•Sentido del movimiento, la energía y la tensión.
•Fuertes contrastes de luces y sombras.
•Intensa espiritualidad
•Insinuación de enormes espacios
•Naturalismo
•Los artistas buscan la representación de los sentimientos interiores, las pasiones y los temperamentos
•La intensidad e inmediatez, el individualismo y el detalle del arte barroco hicieron de él uno de los estilos más arraigados del arte occidental


En arquitectura, son pocos los cambios de forma: se siguen encontrando los mismos elementos que reaparecieron en el renacimiento:
columnas
pilastras
cornizas
molduras
tímpanos
Pero se combinan con volutas y otros tipos de adornos, los ritmos cambian.
En la escultura y en la pintura, el movimiento y la composición "complican" el aspecto general de las obras.
Si bien el arte barroco nace en Italia, es pronto adoptado en Francia, en Alemania, en Holanda y en España quien lo desarolla hasta lo máximo en las colonias de America.

El barroco no es sólo un concepto artístico, sino también la definición cultural de la época, que se extendió a lo largo del siglo XVII y hasta mediados del siglo XVIII. La desintegración y las dudas surgidas con el motivo de la Reforma en Europa al final del siglo XVI hacen surgir nuevos planteamientos ideológicos que hicieron necesario una renovada cultura que sirviera como instrumento integrador y ofreciera al ser humano un fundamento seguro de existencia. Había desaparecido el universo renacentista único y había sido sustituido por un pluralismo religioso, económico y político. Esta pluralidad hace que, por primera vez, la opinión pública despierte interés en las autoridades religiosas y civiles, que comprometieron el arte en defensa de sus intereses e ideas, para influir en el pueblo. Al barroco se le exige comunicar y persuadir, actuar sobre el ámbito de la gente para consolidar la Contrarreforma y la monarquía absoluta.

Para Argan, el Barroco fue una revolución cultural en nombre de la ideología católica. La Iglesia de Roma para ser un medio de propaganda al servicio de la causa católica, y en el Concilio de Trento se habla de que el artista debe instruir y confirmar al pueblo, recordándole los artículos de la fe, excitándole a adorar y aun a amar a Dios. Para cumplir esta misión, el arte debía poseer fuerza de atracción sobre os sentidos y poder de penetración en el espíritu, es decir, debía ser seductor y didáctico para mostrar el camino de salvación.
Resumiendo un poco, voy a resaltar las ideas más importantes. Pienso que el arte es una habilidad técnica para desarrollar algún trabajo, pero sin embargo, creo que el arte no es sólo eso, sino que también el talento de una persona con respecto a un oficio visual.

Pienso que el término “cultura” se refiere a los conocimientos de una persona, es decir, alguien culto es quien tiene estudios. Se podría decir que el arte está dentro de la cultura si designamos a la cultura como un “todo”, pero pienso que no seria lo correcto. El arte es una habilidad y no un conocimiento, por lo que pienso que son conceptos diferentes, aunque relacionados.

El barroco no es un mero concepto artístico, sino también un movimiento cultural del siglo XVII. Me explico, si definimos arte y cultura como términos diferentes, también podremos decir que el barroco no es sólo un movimiento artístico, sino también cultural, porque esos 2 conceptos son muy relevantes en la época. Es necesario decir, que todo lo que esté relacionado con el barroco, va en torno a la Iglesia, es decir, que los temas, ya sean de dibujos, novelas, canciones, etc., son religiosos.

El Barroco fue una consecuencia de la lucha religiosa que hubo en Europa que tuvo lugar en Europa a causa de la Reforma protestante y la Contrarreforma católica. El enfrentamiento religioso provocó un cambio de mentalidad que afectó a todos los aspectos de la cultura, del arte y de la sociedad.
Significó el triunfo de los sentimientos exaltados. La serenidad y la fe que habían caracterizado en el Renacimiento en el ser humano fueron sustituidas por una visión de la vida más mística, muy influida por la religión, y menos optimista.

Pintura

El pintor barroco plasma la realidad tal y como la ve, con sus límites imprecisos, sus formas que salen y entran, los objetos de primer plano intrascendentes, los escorzos y las posturas violentas, y las composiciones diagonales que dan a la obra gran dinamismo.
Se acude a los temas religiosos, escenas de santos, mitológicos, el retrato, tanto el individual como el de grupo, y surge como tema nuevo el bodegón.
No se entiende la pintura barroca sin hacer referencia a dos estéticas diferentes: el tenebrismo y el eclecticismo.
· El tenebrismo consiste en el choque violento de la luz contra la sombra. El fondo queda en penumbra, o desaparece, mientras que la escena queda en primer plano.
· El eclecticismo trata de salvar el gusto clásico dentro de la nueva norma. Se trata de una estética decorativa efectista y teatral.

Características de la pintura
La pintura barroca tuvo unas técnicas comunes, pero las obras tienen unas características comunes:
· Se impuso el realismo, representar las cosas tal y como eran, incluso sus rasgos desagradables.
· Se usaron composiciones menos simétricas y personajes y actitudes poco serenas, para dar una mayor mobilidad y fuerza a las representaciones.
· Se utilizaba una técnica llamada claroscuro. Se basaba en generalizaron los fuertes efectos luminosos, es decir, que se mezclaban zonas de sombra con otras de intensa luz.
· Las representaciones tenían gran emotividad y los personajes mostraban los sentimientos muy intensamente.
· La pintura barroca se caracterizaba por los siguientes temas: escenas religiosas, retratos, mitología, escenas cortesanas e imágenes de la vida cotidiana, aunque empiezan a desarrollarse también los paisajes y los bodegones, que también recibe el nombre de “naturaleza muerta”.
Para diferenciar la pintura barroca de la pintura renacentista, vamos a analizar algunos cuadros de la época, y a resaltar las características que los diferencien.


Bartolome Esteban Murillo,Un pintor que nació en Sevilla en el 1617. Su pintura es de tonos suaves y expresión amable, que se ve claramente en sus Inmaculadas Una de las más importantes de Murillo es la Inmaculada Concepción. Este cuadro no tiene simetría, e incluye la técnica que se denomina claroscuro, que se basa en realizar grandes efectos luminosos, es decir, que mezclaban zonas de sombras con otras de intensa luz. Utiliza una pincelada muy suelta y ligera y un uso más vaporoso de los colores. El tema se percibe claramente que es la religiosidad, puesto que, la Contrarreforma exaltaba a la Vírgen como respuesta de la Reforma.


Rigaud. El arte del Barroco Francés estuvo al servicio de la monarquía, y las características de este retrato son prácticamente las características del sistema de gobierno de Luis XIV. El rey aparece de cuerpo entero, dominando una perspectiva de paisaje sobre una ciudad que están atacando sus tropas. Como jefe militar, aparece con armadura pulida y con peluca negra. Lleva la banda blanca de general y la banda de seda azul, colocadas en la cadera arremolinadas. Empuña el bastón de mando, que apoya con soberbia sobre el casco. Avanza con elegancia una de sus piernas, en una pose absolutamente de aparato. Las espuelas ciñen sus zapatos de tacón. Mezcla su condición de guerrero con la de cortesano en la síntesis que pretende el Absolutismo. Destaca de nuevo la técnica claroscuro.


La Gioconda, es una obra de Leonardo da Vinci. Este señor no nos dejo una extensa obra, pero si una que nos puede impresionar bastante. La Gioconda, también llamada la Madonna Lisa, tiene una mirada enigmática, y este gran pintor le ha dado el efecto óptico necesario para obtener que el retrato de Lisa parezca muy real, e incluso que se va a salir del cuadro. Tiene un hermoso paisaje del fondo, de un matizado tono azul que lo hace desaparecer en un degradado invisible. En este cuadro se ha utilizado la técnica del sfumato. Ésta es una técnica que difumina suavemente los rasgos hasta hacer indefinibles los contornos, mediante el uso de tonos vagos y juegos de sombras. Su objetivo es potenciar la sensación de profundidad y potenciar la inmersión de las figuras de su entorno.


Arquitectura


En el barroco la arquitectura va frecuentemente unida al urbanismo. La ciudad se vuelve escenográfica. El palacio es el típico edificio de vivienda urbana para las familias poderosas. El hotel es un tipo de vivienda unifamiliar libre y rodeada de jardines, burguesa. El templo es el lugar del sermón y la eucaristía. Se trata de un sitio de representación teatral.

Características de la arquitectura
La arquitectura barroca tuvo el objetivo de emocionar y llamar la atención del espectador, por lo que utilizaron lo siguiente:
· El uso de la línea curva, tanto en las estructuras de los edificios como en la decoración.
· Destaca el uso de las columnas salomónicas, que son las que tienen el fuste en espiral, y da una sensación de movilidad.
· La utilización de efectos luminosos en los edificios a través de una gran profusión de entrantes y salientes, es decir, de fachadas con distinta profundidad; y de fronteros rotos, es decir, de fronteros en los que alguno de sus lados no está cerrado.
· La abundancia de decoración y de adornos en las fachadas e interiores.
· La utilización de materiales ricos, especialmente en las Iglesias, para producir una sensación de ostentación.
Para diferenciar la arquitectura barroca de la arquitectura renacentista, vamos a analizar algunos monumentos de la época, y a resaltar las características que los diferencien.
Es el Badalquino de la basílica de San Pedro, que fue construida por Bernini. Pienso que en esta obra se ven claramente todas las características nombradas anteriormente.
Hay uso de las columnas salomónicas, gran utilización de líneas curvas, etc. Juega con los efectos luminosos porque, al recargarlo tanto en adornos, obtiene muchos entrantes y salientes. Bajo mi puento de vista el frontón está excesivamente cargado, e incluso da una sensación de sobrepeso.
Ahora voy a comentar una arquitectura renacentista. Es el Monasterio de San Lorenzo del Escorial, de Juan de Herrera. Destaca en este monumento el no dinamismo de la obra. Se puede apreciar una gran sencillez y abundancia de líneas rectas. No hay cúpulas, puesto que he observado que son mucho más abundantes en el barroco. Las ventanas están ordenadas muy simétricamente.


Escultura


Los temas tienden a ser más profanos, mitológicos, en donde el desnudo adquiere particular importancia. Además, la escultura se vuelve urbana, aparecen en las calles, plazas y fuentes, integradas con la arquitectura.
La escultura barroca se caracteriza por su fuerza y su monumentalidad, su movimiento compositivo, su dinamismo, proyectado hacia fuera, sus composiciones diagonales, su expresividad y su tratamiento de la ropa.
Características de la escultura
· Se impuso el realismo en las representaciones, a las que se dotó de rasgos físicos y movimientos naturales. Todos los detalles del cuerpo humano se representaron minuciosamente.
· Las representaciones mostraban un gran patetismo. Se exaltaron los sentimientos y se dio mucha teatralidad a los gestos. Hubo un gran interés por plasmar la psicología de los personajes.
· Las figuras adquirieron gran movilidad, energía y vitalidad. Se hizo muy habitual que éstas se engarzasen unas con otras formando composiciones muy complejas. Se impuso el gusto por lo teatral y las composiciones se pensaban como auténticas escenografías, es decir, como decorado para una representación teatral.
· Se potenciaron los efectos luminosos. Los pliegues de la ropa y los gestos de las figuras provocaban combinaciones de luces y sombras.
· La temática de las esculturas barrocas fue muy variada. En los países católicos eran frecuentes las representaciones religiosas. En todos los casos se desarrollaban los retratos y las escenas mitológicas.
Para diferenciar la escultura barroca de la escultura renacentista, vamos a analizar algunas obras de la época, y a resaltar las características que los diferencien.
Éstas 2 obras se denominan “La Piedad”, pero una es de Miguel Ángel y otra es de Gregorio Fernández, una es del renacimiento y otra del barroco. Bueno, ahora las analizaré más a fondo.
La de la derecha es de Gregorio Fernández. En esta escultura yo veo una gran viveza y expresividad, queriendo exaltar los sentimientos. Esto último se puede observar en el rostro, en el que con la Virgen nos quiere transmitir el sufrimiento. Es asimétrica. El dinamismo de la escultura nos hace apreciar aún más la vida de la escultura, la cual en el barroco huye de idealizaciones. Pienso que las manos abiertas contribuyen aún más en lo último nombrado, es decir, en la viveza.


La escultura renacentista de la izquierda es de Miguel Ángel. Ésta, tiene las ropas con grandes hundimientos, lo que nos expresa movilidad en la obra, sin embargo, lo que más se diferencia al barroco es que ésta obra no tiene vida ni expresividad, de hecho la Vírgen no tiene cara de sufrimiento, sino un rostro agradable. Dicha escultura es más simétrica que la anterior y sin energía ninguna.
Un detalle que puede hacerte ver si es una escultura barroca o renacentista son, el rostro el cual ya hemos mencionado, y las manos, que ahora las analizaré. Bueno, me he fijado que, en la mayoría de las obras renacentistas los personajes tienen las manos entreabiertas o cerradas, sin embargo en el barroco las tienen muy abiertas. Mi opinión es que las manos abiertas contribuyen a los que se busca en el barroco: la expresividad; sin embargo las manos entreabiertas o cerradas dan una sensación de serenidad y armonía en la obra, por lo que pienso que las manos es un objeto importante para determinar si una escultura es barroca o renacentista.


Figuras del barroco y sus obras y características más importantes


Velásquez Diego (1599-1660); Es la figura más importante de la pintura barroca española. Algunas de sus obras características de sus años juveniles son sus bodegones con figuras (El almuerzo, Museo del Ermitage; 1618, La vieja friendo huevos, Col. Cook, en Richmond; 1619, El aguador de Sevilla, Col. Wellington), y sus cuadros de asunto religioso (Cristo en casa de Marta, National Gallery de Londres), que demuestran un profundo estudio del natural, con un esquema compositivo típicamente manierista. Un aspecto del barroquismo del Velásquez joven es su preferencia por la composición de medias figuras Pintó en su primer período madrileño diversos retratos reales (Felipe IV ) otros retratos (Conde-Duque de Olivares, Hispanic Society), bufones, y cierra el ciclo con la obra maestra de este período, Los borrachos (1628,). Hacia. 1631 señala un gran paso en su pintura: su colorido se enriquece con un color más suntuoso, modelando más con colores que con las sombras. Esta segunda etapa madrileña es abundante en obras: cuadros religiosos (Cristo después de la flagelación; 1641-43, Santos ermitaños1641-43, Coronación de la Virgen, ), retratos reales (1632, Príncipe Baltasar Carlos; 1632-34, Felipe IV, Isabel de Borbón, etc.), retratos ecuestres (Felipe IV, ; Príncipe Baltasar Carlos), otros retratos (Conde-Duque de Olivares, a caballo, ; Duque de Módena, Módena; Diego del Corral, Pablillos) y grandes composiciones (1635, Rendición de Breda, ). Los retratos de estos años (1651-60) demuestran la madurez que ha alcanzado su arte, en el que domina el problema de la representación atmosférica y de la luz (infanta María Teresa; la reina Doña Mariana; infanta Margarita, Viena; Felipe IV, etc.). De este período son sus mejores composiciones, la Venus del espejo (h. 1651,), Las Meninas (1656) y Las Hilanderas (h. 1657-59), sin duda la obra de mayor complejidad en elementos y sentido compositivo.

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Francisco de Zurbarán (1598-1664); Una de sus obras maestras fue Cristo crucificado (1627). El convento de la Merced Calzada le encargó (1628) una extensa obra cíclica sobre la vida de San Pedro Nolasco; del mismo año es el San Serapio, para el mismo convento (Wadsworth Atheneum, Hardford), así como una serie de retratos de doctores de la Orden mercedaria ( Fray Jerónimo Pérez, Fray Hernando de Santiago, etc).
Inició su período de plenitud con el ciclo pintado para la iglesia del Colegio de San Buenaventura en Sevilla (1629). Es una época de

Acentuado tenebrismo y de composiciones monumentales (1630, Visión de San Alonso Rodríguez, Academia de San Fernando; 1631, Niño Jesús con la corona de espinas, en la que demuestra su habilidad para dibujar cuerpos humanos, 1631, Triunfo de Santo Tomás de Aquino, 1633, ciclo de los apóstoles,; 1633, Bodegón de la colección Contini,). En 1634 hizo su primer viaje a Madrid para decorar parte del salón de Reinos ( Fuerzas de Hércules, Socorro de Cádiz, y Expulsión de los holandeses de la isla de San Martín, hoy perdido),. Entre 1636 y 1639 ejecutó los ciclos monásticos de la cartuja de Jerez y los del monasterio de Guadalupe. En 1642 pintó el Sueño de San José. De 1653 es la Virgen con los Santos Niños Hasta su muerte, produjo obras de cierta homogeneidad y gran lirismo (1659, Virgen con Niño y San Francisco orante; 1661, Inmaculada de Budapest, Cristo de Jadraque, Virgen con Santos Niños, en Bilbao). Muchas de sus obras demuestran la riqueza de calidez de colores, siendo notables las gamas de los blancos y rojos oscuros.

Murillo, Bartolomé Esteban (1617-1682); En 1645 consiguió el primer éxito con sus once cuadros para el convento de franciscanos de Sevilla, que reflejan influencias de Ribera, Velázquez y Zurbarán; a este grupo pertenece el San Diego de Alcalá dando de comer a los pobres, falto aún de la delicadeza vaporosa de sus obras más avanzadas; en cambio, en otra de estas pinturas, La cocina de los ángeles, la personalidad de Murillo se muestra ya formada, la composición se hace más libre y la luz más cálida.El período mejor y de más calidad es el comprendido entre 1650 y 1660, en el que su estilo muestra una gradual suavización. Entre 1660 y 1670 las formas se hicieron más atormentadas, la pincelada más viva y amplia, recordando en muchos cuadros a Rembrandt (cuadros de Santa María la Blanca). Entre 1670 y 1674 ejecutó para la iglesia de la Caridad otra serie capital de pinturas (San Juan de Dios, Santa Isabel de Hungría, Milagro de los panes y de los peces).Fue el pintor de la Inmaculada Concepción una de sus facetas magistrales la constituyó la pintura de género, estampas de fuerte naturalismo, por las que desfila toda unas galería de pícaros, mendigos y pilluelos, protagonistas de la novela picaresca española del s. XVII: Pícaros comiendo melón, Los niños fruteros (ambos en el Museo de Munich), Mendigo etc. En general, la pintura de Murillo refleja el matiz optimista y bondadoso de la religiosidad española del s. XVII, en especial de la devoción popular.



Poussin, Nicolas (1598-1665).; Fue el iniciador del neoclasicismo en su país (Francia) y uno de los más importantes pintores de la época. La pintura de su primera época parisina denota en el alargamiento de sus formas la influencia de la escuela de Fontainebleau. De estos primeros años en Roma datan Muerte de Germánico (h. 1630), que manifiesta la especialidad de Rafael; El triunfo de David, que recuerda las formas arquitectónicas de Tiziano, y Eco y Narciso, con el trato de la luz característico de Tiziano. Además de temas de mitología e historia, pintó también otros sacados de las Sagradas Escrituras: Matanza de los Inocentes y Toma de Jerusalén. Pintó también El Martirio de San Erasmo, esta obra sorprende por la luminosidad de sus colores y la portentosa composición.
En 1640 Luis XIII le llamó a París y fue nombrado primer pintor de la corte; a los dos años regresó a Roma, donde había dejado a su esposa. Esta segunda época romana es la de sus triunfos. De ella datan, entre otros lienzos, Moisés salvado de las aguas, Los pastores de la Arcadia (ambos en el Louvre) y sus característicos episodios bíblicos o de la historia antigua: (San Matías y el Ángel Berlín), Paisaje con Polifemo (Leningrado), Las cuatro estaciones (Louvre).

Rembrandt, Harmenszoon van Rijn (1606-1669).; Pintor, dibujante y grabador holandés. Comenzó por pintar escenas de la Biblia y asuntos históricos de estilo tradicional (La lapidación de San Esteban, 1625; San Pablo en prisión, 1627), obras en que los contrastes de luz y sombra no buscan idealizar las figuras, sino hacerlas reales; a partir de 1630 formuló sus ideas con mayor precisión, y los asuntos bíblicos, históricos y mitológicos fueron dejando paso al estudio del retrato (La presentación en el templo, 1631), en el que introdujo mayor número de personajes, subordinados, sin embargo, al tema principal mediante una dramática distribución de efectos de luz y sombra. Interesado desde un principio por el estudio del rostro, pintó muchísimos autorretratos a lo largo de toda su vida.
En 1632 dejó Leyden, para instalarse en Amsterdam, donde comenzó la época de mayores éxitos (1632-36). Entre ellos hay que destacar La lección de anatomía del Dr. Tulp (1632; Museo de La Haya), Saskia como Flora (1634; Museo del Ermitage, Leningrado) y Tobías curado por su hijo (1636; Galería del Estado, Stuttgart).

A partir de 1636 comenzó a interesarse por el paisaje (Paisaje con un puente de piedra, 1636), por el cielo tormentoso y los huidizos rayos de sol. El cuadro que centra la evolución del período comprendido entre 1636 y 1642 es Ronda de noche (1642; Rijksmuseum), que se caracteriza por la fuerza dinámica del color.
Los temas bíblicos son raros, especialmente a partir de 1640, cuando manifestó un interés creciente por los temas arquitectónicos (La Sagrada Familia de la cortina, 1646), aunque en ocasiones vuelve a su estilo primero (Mujer cogida en adulterio, 1644); por otra parte, le atrae especialmente la infancia de Jesús (Adoración de los pastores, 1646). Entre los desnudos cabe destacar como más monumental e italianizante el de Betsabé (1654;). Se concentró cada vez más en el estudio del rostro y las manos, dejando que el resto del personaje sirviera de fondo o para acentuar el carácter.
Otras obras importantes son: Toro despellejado (1655; Louvre), Los síndicos (1662; Rijksmuseum), La novia judía (h. 1665; Rijksmuseum) y El hijo pródigo (1667). Como géneros independientes el artista cultivó el dibujo y el grabado, en los que alcanzó grandes logros expresivos. Realizó unos 1.400 dibujos y alrededor de 400 grabados. Fue el primer pintor holandés que rompió la influencia de la pintura italiana en los Países Bajos, si bien sus contemporáneos no llegaron a comprenderle y su arte no fue valorado mayoritariamente hasta el s. XIX.

Caravaggio, Michelangelo Merisi (1573-1610); Pintor italiano. En su obra se distinguen tres períodos: obras realizadas durante su formación romana, en las que se advierte un acentuado realismo ajeno por completo al movimiento manierista (Baco, Uffizi, Florencia; San Juan Bautista, Joven con cesta de frutas, Galería Borghese, Roma).
Un segundo período representado por su primer grupo de obras importantes, Historias de San Mateo, con las que decoró la capilla Contarelli, en San Luigi dei Francesi (1598-1600), y en las que se hace patente un cambio de estilo y una gran preocupación por los problemas de la luz.
El tercer momento está representado por sus obras esencialmente tenebristas, en las que la luz se proyecta sobre la forma con violencia, consiguiendo un contraste brusco e intenso. Caravaggio inició una de las grandes conquistas del arte barroco. Entre las obras de su último período sobresalen: Conversión de San Pablo, Crucifixión de San Juan (Santa Maria del Popolo), Santo Entierro (entierro de Cristo)esta pintura pertenece al estilo negro de Carabaggio, con lo cual pretende realizar un drama escénico recurriendo a fondos oscuros y resaltando al máximo los blancos y los negros, valorizando únicamente las zonas esenciales del lienzo (Pinacoteca Vaticana) y Muerte de la Virgen (Louvre, París).
La influencia del tenebrismo y del naturalismo caravagiescos en el s. XVII fue extraordinaria no sólo en Italia, sino en toda Europa.